En esta novela concurren varias disciplinas, como el psicoanálisis, la sociología, el pensamiento crítico, soportadas por la literatura que se basa en una realidad preexistente. Los personajes viven en la sociedad que, como advirtió Umberto Eco, ha pasado de la estupidez a la locura, o bien a la bobalización que enunció Michel Foucault. Asimismo, la trama deviene hacia la idea de Bobbio de que, al final, los afectos priman sobre los conceptos.
Eduardo Keudell, argentino de origen, vive en Viñales, en la comarca leonesa de El Bierzo. Es autor de títulos tan reconocidos como El faro de Cabo Bravo (Sirmio, 1990), El cazador (Ed. Europea, 1991), Ese extraño cansancio (Muchnik Editores, 1998) o El sino (El Aleph, 2001). Publicó artículos en varios medios españoles, entre otros Ajoblanco, El Correo Catalán, El Periódico, El Mundo, etc… Actualmente imparte seminarios de literatura y pensamiento crítico y psicoanalítico en España y Argentina.
Colección de relatos cortos de Francisco Flecha Andrés, perteneciente a la colección Creaciones literarias.
Título: Representaciones de la infancia en el cómic: de la nostalgia al compromiso social
Autor: Marta Agüero Guerra (Binghamton University)
Colección Grafikalismos
Número de colección: 13
ISBN: 978-84-18490-86-6
Cómo citar: AGÜERO GUERRA, Marta (2022): Representaciones de la infancia en el cómic: de la nostalgia al compromiso social, León, Universidad de León (Grafikalismos, 13).
Este libro traza la evolución en la representación de los personajes infantiles en el cómic para adultos. El análisis de distintos trabajos de autores españoles, argentinos y latinos en Estado Unidos desde los años sesenta hasta la actualidad evidencia que el medio presenta a los niños protagonistas como sujetos que dialogan con problemáticas adultas. Los estudios del cómic se apoyan en esta investigación en los estudios de la infancia, que definen la niñez como una construcción social y defienden que el niño tiene un rol activo en la sociedad. Por esta razón, los cómics se oponen a la sobreprotección del menor y la asocian a un sentimiento de nostalgia por parte de los adultos que, en su anhelo por volver a un pasado perdido, se resisten a rechazar la concepción romántica de la infancia.
El lector observará que los autores utilizan el humor, la recreación gráfica del trauma, la denuncia y el testimonio, junto a las técnicas visuales del medio para dar voz a sus personajes infantiles. De esta manera, en lugar de perpetuar el mito de la inocencia, usan la noción nostálgica de la niñez para hacer reflexionar al lector adulto acerca de sus propias contradicciones en el trato a la infancia y así promover el compromiso social.
Esta publicación ha obtenido el Sello de Calidad en Edición Académica CEA-APQ 2023 Monografías
Este libro nace de la curiosidad por cómics que podemos llamar “experimentales” en cuanto al lenguaje y la forma: obras que de alguna manera se separan conscientemente del discurso y formato habituales del medio. Se analizan en estas páginas los protocolos de lectura en los cómics, prestando especial atención a las distintas lecturas alternativas que el cómic ofrece, especialmente la lectura holística, la lectura translineal y la lectura multilineal. El lector descubrirá así cómics que utilizan formatos nuevos o emplean el soporte tradicional del libro de manera innovadora, con páginas dobladas, desplegadas o recortadas; cómics, en definitiva, que proponen una lectura interactiva más allá del simple paso de las páginas. Se reconoce de esta forma la frecuentemente olvidada materialidad de los libros como objetos manipulables, así como el necesario acercamiento interdisciplinar al estudio de los cómics, pues además de la teoría de la historieta se exploran aquí conexiones con campos de los estudios literarios como la historia del libro, la literatura infantil, la literatura experimental, los libros de artista y los libros infantiles.
Premiado como Mejor Monografía en Artes y Humanidades en la XXV edición de Premios Nacionales de Edición Universitaria
La manera en que Breccia entendió el cómic marcó el inicio de una nueva época cuyas repercusiones todavía palpitan en el ánimo y las viñetas de numerosos autores consagrados o anónimos. A lo largo de su trayectoria profesional fue derivando de manera natural desde la comercialidad hasta la vanguardia, y en ocasiones llegó a frecuentar casi la marginalidad. Siempre fue un espíritu inconformista e inquieto, y lo fue de una forma compulsiva. Ninguno de sus increíbles avances le permitía estancarse en un estilo determinado, independientemente de la aceptación obtenida, siendo por ello incapaz de repetir una estética o unos recursos durante demasiado tiempo. Lo cual originó una continua huída hacia delante que no siempre supo ser valorada por sus contemporáneos o compatriotas. Se preocupó con frecuencia de presentar las facetas más oscuras o problemáticas del alma, quizá por las circunstancias aciagas que tan amenudo rodearon su entorno social, político e incluso familiar. También asumió distintos grados de compromiso ético y humano, pero cuando y de la forma en que lo juzgó necesario. Estaba convencido de que la honestidad del artista es lo que hace realmente que una historia sea buena. “El estilo es el concepto, es el hombre”, afirmó en una entrevista. Y esto es lo que le hace inclasificable, ya que va modificando su manera de ser a medida que afloran los distintos tipos de emociones o sentimientos que va reflejando puntualmente en sus viñetas.
¿Qué lectura hace el cómic de la guerra civil española? ¿Con qué criterios? Como documento histórico u objeto cultural de memoria, ¿qué aporta el corpus de varios centenares de obras gráficas “de” o “sobre” la guerra? Una infinidad de preguntas que hacen de este corpus un campo de investigación apasionante. Este libro tiene como objetivo explorar la evolución de las producciones y las miradas sobre la guerra española, desde el tiempo de la propia guerra hasta nuestros días, las diferentes percepciones del conflicto en varios países (sobre todo en España, Francia y América Latina) y la naturaleza del cómic como objeto literario e histórico referente al conflicto. La exploración se efectúa aquí según tres aproximaciones. La primera, “La representación de la Guerra Civil en el cómic, un fenómeno global”, intenta demostrar la universalidad y la extraordinaria diversidad de la producción de cómics sobre el tema. La segunda, “Ostentación y silencios de la Guerra Civil (1936-1975)”, pone en evidencia los periodos de olvido o de reactivación del tema hasta el final de la dictadura, que corresponde a diferentes épocas de silencia y de manipulación de la memoria. Para terminar, la tercera, “Los retos de la memoria gráfica del pasado traumático (1975-)”, demuestra la importancia del cómic como instrumento de memoria indispensable en la construcción de nuestras identidades contemporáneas.
El conocido por algunos teóricos y editores como boom del cómic adulto, fue el último momento en que el cómic pensado para quiosco tuvo un carácter masivo en España, gracias a revistas como El Víbora, Cairo o 1984. Durante las décadas de los años setenta y ochenta estas publicaciones fueron la base del sistema editorial, además de «medio de vida y escuela», en palabras de Max, para muchos autores. Las voces reunidas en el libro narran este apasionante momento de cambio, vital para la historia del cómic y, por extensión, para la historia del arte en España, en un proceso compartido parcialmente a nivel internacional. Se crea una visión amplia, en la que se encuentran representadas desde las autoras y autores del periodo, hasta autoeditores, editores y otros agentes clave en el mercado, como las librerías especializadas. Los protagonistas de la época se sinceran con el lector en lo que constituye la mayor reunión de testimonios relativos al cómic español.
Este libro quiere ofrecer una visión panorámica de la obra historietística de Vittorio Giardino, mediante la recreación y análisis de su evolución grafica y temática. Se trata de un itinerario en el que se configura ese específico equilibrio entre discreción y seducción que define su universo gráfico. En él, el dibujo no destaca sobre el conjunto de la narración sino que se implica y se confunde con ella. Por otro lado, la vitalidad que transmite su versión de «la línea clara» y la sensualidad de las atmósferas que pueblan sus viñetas buscan, y consiguen, el placer de la mirada lectora. Todo ello al servicio de la ambición narrativa de expresar la complejidad humana, a veces de forma lúdica, otras con toda su carga dramática.
En una suerte de once catas prospectivas, el lector puede observar a lo largo de estas páginas las mutaciones que la narración gráfica ha experimentado desde los años 70 y que la han llevado desde el territorio del quiosco al espacio del museo. Su condición cultural ha cambiado radicalmente, lo que da una buena muestra de la versatilidad que posee su gramática. El género fue un lenguaje que articuló imaginarios gráficos y esbozó un inventario de las fórmulas narrativas que buscaban una avidez cómplice en el receptor: un salvoconducto para la lectura. De forma paralela, se desarrollaba la conciencia de creador que buscaba desarrollar sus historias al margen del crisol de la ciencia ficción, lo fantástico, el terror, etc. El objetivo de este libro es crear un espacio de reflexión para esta dialéctica entre el género, concebido como molde en constante metamorfosis, y la fuerza de un estilo ingobernable, sin pautas ni normas, que persigue construir un universo propio e intransferible. Los caminos para ello son apasionantes, las fronteras difusas y los mapas provisionales.
Los grandes relatos no nos dejan indemnes y Spirit, de Will Eisner, es un gran relato que viene a dejar huella en nuestra mirada y nuestra memoria. Surgido en los años 40 como un encarte que se adjuntaba con la prensa, forjó en el marco de uns diez años un gran puñado de páginas memorables que el lector que se acerque a ellas no podrá olvidar. Por sí sólo ofrece la coartada perfecta para el nacimiento de este estupendo estudio de Eduardo Martínez-Pinna que se presenta como el número cuatro de la colección Grafikalismos.
En este libro se ofrecen diez ensayos que consideran el cómic desde diferentes propuestas analíticas. Comienza con el estudio de los cómics del indio Patoruzú y lo que significaron en la construcción de la identidad nacional argentina del siglo XX. Reflexiona sobre la importancia que tuvieron los tebeos en el imaginario de la infancia y la juventud españolas durante el franquismo. Analiza el impacto de los personajes malvados de los tebeos, como Doña Urraca y Don Berrinche, y la proyección simbólica de una realidad atroz que fue recogida por Carlos Giménez en Paracuellos. Dialoga con las influencias estadounidenses en muchos autores españoles contemporáneos, y reivindica a Marx y a Miguelanxo Prado como los pioneros de la novela gráfica en España. Ofrece una lectura intertextual del personaje de Mardín de Max, y profundiza en las voces de grandes autoras como Trina Robbins, Aline Kominsky, Diane Noomin, Phoebe Gloeckner, Debbie Drechsler, Julie Doucet y Carol Lay, que construyeron el mapa underground y post-underground de la territorialidad femenina. Contiene, además, una amplia reivindicación del pulso latino en la vertiente alternativa del cómic estadounidenses. Y se cierra celebrando la trascendencia multicultural de la obra de los hermanos Gilbert y Jaime Hernández y la influencia de sus personajes femeninos en autoraas como Jessica Abel.
En las últimas décadas, el cómic se ha consagrado como un formato narrativo capaz de mostrarnos una perspectiva única acerca de la enfermedad, gracias a su particular conjunción de texto e imagen y a las sutilezas de la lectura secuencial. El formato generalmente conocido como novela gráfica, también llamado cómica de autor, ha jugado un papel determinante en la legitimación del cómic como medio narrativo, pero también ha permitido la proliferación de este tipo de temas, que pertenecen al ámbito de lo cotidiano. Las casi infinitas posibilidades del cómic para hablarnos de la enfermedad desde perspectivas tan dispares como la ficción, la autobiografía y el relato clínico han despertado el interés de una nueva generación de numanistas médicos que consideran que las narrativas gráficas pueden proporcionar, tanto a pacientes como a profesionales del cuidado de la salud, un mejor entendimiento del fenómeno patológico en todas sus dimensiones. Obras como Arrugas, de Paco Roca, o Psychiatric Tales, de Darryl Cunningham, son un claro ejemplo de los singulares mecanismos narrativos que el cómic emplea para acercarnos a la experiencia subjetiva de la enfermedad.
Esteticista, obsesivo y apasionado, Bernie Wrightson ha recreado las más variadas facetas del terror con guiones propios o de espíritus afines. Concibe sus imágenes como un espectáculo irreal, deseando que los espectadores puedan participar de lo que ven y reaccionar a distintos niveles ante la experiencia. Por ello afirmó en una ocasión: “Intento provocar otra respuesta que no sea el miedo: quizás justo lo contrario o quizás algo que lo complemente, aunque sean sentimientos opuestos”.
El Servicio de Publicaciones de la Universidad de León pone a su disposición la edición facsimilar del CODEX BIBLICUS LEGIONENSIS, Biblia Visigótico-Mozárabe de San Isidoro de León del año 960. Con una tirada limitada, cada ejemplar se convierte en una pieza de valor incalculable, destinada a perdurar en el tiempo y a ser apreciada por generaciones venideras.
El Servicio de Publicaciones de la Universidad de León pone a su disposición la edición facsimilar del CODEX BIBLICUS LEGIONENSIS, Biblia Visigótico-Mozárabe de San Isidoro de León del año 960.
Completísima e interesante investigación histórica, geográfica y semántica sobre los antecedentes del Mapa Topográfico Nacional.
